LA CAJA DE PANDORA MAGAZINE

lunes, 31 de enero de 2011

Las 5 mejores películas (para mí) sobre El Holocausto + El Holocausto y la cultura de masas. El horror mal entendido como entretenimiento.

  
«Me lancé de nuevo hacia los vagones. Me golpeó un vaho caliente y dulce. Una montaña humana, inerte, horriblemente enrevesada, pero que todavía humeaba, llenaba el vagón hasta la mitad. "¡Ausiaden!' (¡Descargar!) Sonó la voz del SS-Mann que emergió en la oscuridad. Las negras siluetas de los hombres de la SS deambulan tranquilas y profesionales. El hombre con la libreta en la mano pone los últimos toques, cierra el cálculo: 15.000. Son muchos, muchos los camiones que partieron hacia el crematorio. Ya van terminando. Los cadáveres esparcidos en la rampa son recogidos por el último automóvil, los vestidos y los equipajes ya están también encima. Los civiles sacarán bastante contrabando fuera del campo, a Silesia, Cracovia y más allá. A cambio de ello traerán tabaco, huevos, vodka y cartas de la familia.»
(Tadeusz Borowski: Pasen ustedes al gas).

¿Creen acaso que Auswitch tiene algo de divertido?. ¿Ven, tal vez, algo de entretenimiento en los campos de concentración?, ¿no?, ¡perfecto!, ¡por un momento me habían asustado!. Les digo esto, porque Hollywood parece creer que sí que existe esa (deleznable) conexión entre horror y entertainment. Y de ello habla Alvaro Lozano en el libro editado por Melusina, "El Holocausto y la cultura de masas".

La relación entre el cine y el Holocausto es muy estrecha. Muchos son los largometrajes, comedias, dramas, documentales que, con su particular punto de vista, han tratado de hacernos llegar distintos aspectos del genocidio que asoló  ciertas partes de Europa el siglo pasado. Aunque, eso sí, hay una diferencia muy notable entre el enfoque, la manera de hacer llegar el mensaje, del cine hollywoodiense y cierto sector del cine europeo; tal vez, imagino, debido a la distancia en que unos y otros vivieron la pesadilla. Supongo que si hiciésemos una película sobre lo que sucede en Haití (es sorprendente lo olvidadizos que somos con ciertos temas y como, las noticias más importantes, pasan enseguida a un segundo plano para que superfluos problemas no azoten demasiado nuestro bienestar) sería diametralmente diferente a la que harían sus propios habitantes o los de regiones vecinas.
Para la humanidad, Auschwitz se ha convertido en el paradigma de lo que significa maldad. Es un símbolo al que multitud de escritores, artistas, periodistas, filósofos, han acudido en una u otra época de su vida para sentar sobre ese horror, ese dolor, su trabajo.
Las primeras imágenes que existen ( o al menos que yo sé que existen) de Auschwitz son las de la liberación del campo por parte del Ejército Rojo y cualquiera que haya podido verlas, coincidirá conmigo en que sí, son reales, pero  están manipuladas y no representan verdaderamente la realidad. Fue un primer paso para todo lo que ha venido después. El segundo, a mi entender, se dio por la aparición del docudrama televisivo de 1978, "Holocausto", cuyo forzado aspecto de serial, confiere al hecho en cuestión una cotidianidad casi blasfema.
No me malinterpreten, creo que el hecho de presentar en imágenes (o en palabras) el tema en cuestión, no es sólo necesario, sino obligatorio, que nadie debe olvidar su triste pasado o hacer como que nunca ocurrió, pero, debería, a mi modesto entender, hacerse de otra manera (ahí están, por ejemplo Wilder o Pynchon para demostrarlo), ya que el problema que se plantea a partir de esto, desde el punto de vista cinematográfico (y literario si me apuran), mayoritariamente estadounidense quiero decir, es que se dota a la abominable matanza de un misticismo y una grandilocuencia que nada tiene que ver con la realidad y que no debería llevarse a cabo en absoluto, ya que, lo único que se pretende, es producir un dramatismo artificial que no deja paso al natural (porque o bien se distorsiona la realidad, o bien hay aspectos de ésta que permanecen escondidos y olvidados). Y digo que esto no debería permitirse porque, dada nuestra naturaleza contemporánea, en la que nuestra memoria colectiva, la de los más jóvenes, está siendo distorsionada por ciertas imagenes y creencias, en ciertos mensajes fast food que pueblan la mente de la gran mayoría de ellos, podemos caer en el error, terrible, insalvable, de confundir la ficción con la realidad, para, finalmente, con el tiempo, deshacernos de esta última (y no crean que exagero o soy tremendista, que ya hay ciertos sectores que poseen la firme conviccion de que las cosas sucedieron de otra manera, como en las películas, y otro amplio abanico de población comienza a asegurar que este período de la Historia no ha ocurrido nunca, tan sólo en el cine y la literatura).
Reescribimos la Historia a nuestro antojo y movidos por el marketing (pero no sólo en la Shoah que nos ocupa, sino en múltiples aspectos del pasado), como aquel catalán que durante años fingió ser un superviviente de un campo de concentración. Y tanta reescritura conlleva, también, la aparición de invenciones, licencias guionísticas, no plausibles, descontextualizadas y distorsionadas. Estamos confundiendo, como dice el autor, a cowboys e indios con nazis y judíos, cinematográficamente hablando, digo, y como personajes estereotipados, aclaro, que el tema del Holocausto parece haberse convertido en u género de cine al uso.
Nos reinventamos cada día y queremos que las cosas sucedan como nos gustaría, y no como ocurren realmente. Es por ello que en las películas que tocan el tema, la mayor de las veces se tiende a buscar un héroe cinematográfico que salga triunfante, que sea verídico o mínimamente creíble, y un villano que se redima o que sea castigado por justicia casi divina. Queremos un final feliz para algo que no lo tiene. Es imposible, aunque se sobreviva, salir victorioso de aquel horror. Hay cosas que no se pueden superar, por más que uno aprenda a vivir con ellas.
El libro en cuestión, se centra, principalmente, en analizar una película, "La lista de Schindler" de Steven Spielberg, convertida en todo un referente cuando se habla de films que traten sobre el nazismo. Pero el análisis que emprende Álvaro Lozano, nada (o muy poco) tiene que ver con lo estrictamente cinematográfico, sino que se adentra entre bastidores, para analizarla de forma exhaustiva y rigurosamente moral, donde, para el autor, fracasa estrepitosamente. 
Por mucho que algunos traten de maquillarlo, el Shoah, el Holocausto (donde no sólo murieron judíos, sino que también fueron asesinados gitanos, negros, homosexuales, en resumen, personas) fue una tragedia absoluta. Por desgracia, no ha sido ni será la última que cometeremos o permitiremos que se lleve a cabo. Así es el ser humano. Mezquino y muy olvidadizo. Demasiado.

[NOTA AL MARGEN: Desde que el amigo David me habló (más bien me escribió vía correo electrónico) sobre este libro, mi interés por hacerme con él (con el libro, digo, no con David) y leerlo fue in crescendo día tras día. Gracias por tal descubrimiento.]


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MIS 5 PELÍCULAS PREFERIDAS SOBRE EL HOLOCAUSTO  
(Sin orden concreto).
The grey zone.

Fighter.

Shoah.

Nuit et brouillard.

Okupacija u 26 slika (1978)

domingo, 30 de enero de 2011

¿Qué película es esta?. El juego de los domingos Segunda Edición (5).

Bueno, ya es nuevamente domingo y aquí viene otra entrega de este juego dominical. Con lo ocurrido el domingo pasado, no sé si alegrarme por la masiva participación y cantidad de comentarios o, por el contrario, "enfadarme" (en sentido figurado, claro) por no saber la respuesta (que  no hace mucho se habló aquí de ella y además es uno de los 10 posts más vistos del blog) y complicarlo hoy un poquito más, je, je, je... Bueno, ya veremos qué tal se portan hoy ustedes, ¿eh?.

De momento, las puntuaciones van así:
agrimensorJ, con 7 puntos. 
Poptaje,  Trónak el Kárbaro,  con 5 puntos.
Mr. Lombreeze, Mucipa, Cinexim, Licantropunk, con 4 puntos.
Marguis, Doc Armitage, Diorama, David, Lola Fett, Cecil B. Demente, J.A. Pérez   con 3 puntos.
Kenny, Pepe Cahiers, Dr. Quatermass, Mr. Floppy, ,Lughnasad, Charlie, redrum, dopzihon, con 2 puntos,
William De Baskerville, Xalons, Anna, Kinezoe, ricard, kinski, Lord Kamps, Baal Zak, carlesp, Christian, Lula Fortune, Ricardo Pérez, Anele, egoitzmoreno.com, dvd, miquel zueras, Santiago Braida, Angelus, GabyLocura, Coltra, Kinezoe, Tarquin Winot ,  con 1 punto.

Y dicho esto, ¿de qué película se trata?...
Respuesta: HELLRAISER, Acertada por Scotty.

viernes, 28 de enero de 2011

Fuego Fatuo, de Louis Malle. Un fuego que oscurece


Fuego fatuo Llama pequeña que se observa en lugares en que hay materia orgánica en descomposición.

Se suele decir que los fuegos fatuos se ven, normalmente, y con cierta frecuencia, en pantanos y cementerios. No es de extrañar, pues, que el título de esta película lleve el mismo nombre que el fenómeno al que hace alusión, ya que lo que aquí se narra no es sino la lenta muerte y descomposición del alma de un ser humano. Alain Leroy.
Ese obscuro objeto del deseo... 
Para su quinta película, rodada en un efectivo blanco y negro, el interesante cineasta Louis Malle se decanta por dejar de lado la faceta de idear los guiones de sus largometrajes (como hiciese por vez primera en su anterior película,"Vie privée") y prefiere adaptar la novela corta "Le Feu Follet" escrita por el malogrado, maldito y polémico Pier Drieu La Rochelle, que se centra en contarnos las últimas horas en la vida de un suicida llamado Alain Leroy (personaje inspirado en el poeta dadaista Jacques Rigaut).
¡LUCES, CÁMARAS, ACCIÓN!
Alain, escritor de profesión, alcohólico no del todo recuperado (mostrado con crudo realismo), recientemente divorciado y hastiado de todo, es un ser desvalido emocionalmente. Sin esperanza alguna ni motivo por el que vivir cada día. No empatiza con nadie y no deja que nadie vislumbre ni una parte de su ser. Su vida se extingue y no quiere hacer nada para remediarlo...Y eso es así porque se ve embutido en una sociedad fría, frívola, mentirosa e hipócrita en la que ni puede, ni quiere integrarse. Malle no nos explica en ningún momento, aunque sí es expuesto al público, por qué Alain se refugia en la bebida ni el por qué de sus sentimientos tan negativos, por mucho que nosotros podamos elucubrar sobre ello, lo cual dota al film de mayor desolación si cabe, ya que cuando acude en busca de consuelo, de una respuesta que le aleje de la idea de la muerte, en sus supuestas amistades y conocidos sólo encuentra frialdad y distanciamiento. Es triste, pero también es muy cierto y verídico. La mayoría de las personas que conocemos, que creemos cercanas, se mueven por intereses y apariencias. Tal vez, si nos viésemos en una situación límite y acudiésemos a ellos, nos ocurriría como a Alain. Descubriríamos horrorizados que estamos solos en el mundo... O tal vez no, quién sabe. Pero mejor, por si acaso, sería no tratar de comprobarlo...
Tanta gente... ¡y tan solo!...

Fuego Fatuo es un viaje pesimista (a lo que la música del metraje, a cargo de Erik Satie, ayuda y mucho) y nada purificador, una lenta y nihilista peregrinación hacia los rincones más oscuros de los mediocres y vacíos fantasmas de su existencia, de sus consumidos sentimientos, como si el espíritu de "La nausea" sartriana se hubiese adueñado de Malle. Un viaje sin retorno posible. Y, como no podía ser de otra manera, como sabemos desde el comienzo del film, este acaba con un fundido a negro eterno grabado en los párpados del protagonista.
Cuidado con no quemarse con las llamas del fuego, porque sólo hay oscuridad en él...

DISTRIBUYE Y EDITA AVALON

miércoles, 26 de enero de 2011

Marc Recha. Paisajes del alma.


En días como los que vivimos, fríos, húmedos, lluviosos, invernales al fin y al cabo, uno gusta de ver un tipo de cine reconfortante, que le haga sentir bien, vivo, sentado en su sofá, tapado con una manta compartida y con una humeante taza de té con la que avivar el calor interior, ajeno a lo que suceda en el exterior de su particular mundo en el que el tiempo se ha detenido por unas horas.
Es así cómo, esta pasada semana, he visto nuevamente toda la filmografía de Marc Recha.
A lo largo de mis años vividos, como aficionado al cine, el hecho de que Marc Recha sacara una nueva película, siempre ha sido motivo de alegría para mí.
Que Cameo saque un pack con toda su filmografía, debería ser motivo de alegría para todos los aficionados al buen cine, ávidos de nuevos y sugerentes platos con los que alimentar su hambre cinéfila.

El cine de Marc Recha, en el que la ficción y las referencias autobiográficas se entrecruzan y borran sus fronteras, es deudor de la forma de entender el cine que tenía Bresson (con esa perfecta manera de emplear el fuera de campo), al igual que es deudor del mundo de la pintura de Paul Klee y la Bauhaus entre otros. Una película suya es como una isla cuasi solitaria que emerge del amplio y agitado mar cinematográfico para, con voz propia y personal, hacer un tipo de cine cuya esencia son los espacios y los personajes que se mueven en ellos. Esta forma de hacer cine, estos largometrajes que nos da Recha, bien podríamos delimitarlos dentro del movimiento neonaturalista (también y tan bien visitado por directores patrios como José Luis Guerín o Cesc Gay).
Su cine, sensible, frágil, aparentemente hierático, introvertido, dramático, pseudodocumental, delicado pero enérgico, posée una clara y particular visión paisajística (tanto natural, como industrial) ya sea tanto en sentido literal, como metafórico y mutable, adentrándose en terrenos de la memoria como si fuesen caminos con posibilidad de ser transitados. Ese camino, casi siempre, se recorre para que el protagonista "sufra" un cambio en su personalidad y en su manera de ver el mundo, ya sea con el tránsito a la madurez, o bien la superación de la pérdida de alguien cercano.
Otra de los factores que hacen del cine de Recha algo especial, es esa facilidad que tiene, ese don que le permite hacer de lo cotidiano algo diferente, algo maravilloso y ciértamente mágico, como una fábula (a este respecto, al de hacer de la cotidianidad algo especial, cabría destacar también el trabajo de Rebollo en la imprescindible "La mujer sin piano").

El Pack de Marc Recha al que hacía alusión al comienzo de este texto, contiene sus films El cielo sube; El arbol de las cerezas;Pau y su hermano; La manos vacías; Días de Agosto y Petit Indi, a cual más exquisito y sugerente.
Una vez visto todo en conjunto, uno no puede sino comprender que Recha ha sabido desde el principio de su carrera lo que quería hacer. Uno no puede sino rendirse ante su maestría y admirar su trabajo, donde no falla ninguna pieza y todo encaja a la perfección en una rueda que ni empieza ni termina, tan sólo gira en el mágico sentido de la vida.
Giren con Recha en ella. Sentirán muchas cosas y, además, no se marearán.

lunes, 24 de enero de 2011

Como una historia de terror..., de Jon Bilbao. El abismo que llevamos dentro.


Descubrir a Jon Bilbao ha sido todo un hito y un acontecimiento para mi mente. Un seísmo para mis neuronas.
Deudor del estilo tradicional norteamericano (Carver, Cheever) centrado en acometer relatos truncados con alta carga sicológica y con protagonistas extraños de los que nos es presentado un fragmento de su vida, un limitado y acotado tiempo de existencia que ni empieza, ni acaba, tan sólo transcurre, como ocurre con nuestro día a día, como ya hiciese en su momento "Arthur Machen" en su fantasmagórico "Un fragmento de vida".
Los personajes que habitan en la cabeza de Bilbao, en este libro de nombre "Como una historia de terror", o en "Bajo el influjo del cometa" (uno de los diez mejores del pasado año), editados por Salto de Página, son seres que en lugar de sombra, poseen caos, ya que éste se desencadena a su paso, arruinando, en mayor o menor medida, la vida de las personas que van encontrando a su paso. Son seres quue tienen miedo (el terror al que alude el título del libro) a la vida en pareja (y en soledad), repletos de secretos, de obsesiones enfermizas (pero creíbles y cercanas) que no saben bien qué es lo que quieren en realidad o qué esperan de la vida. Se mueven y viven por impulsos, dejándose llevar por la marea de la cotidianidad, que en manos de Bilbao alcanza cotas de ensoñación mágica, grandiosa, de inquietud malsana de la que parecen querer escapar, cuando en realidad, lo que intentan, sin saberlo, es huír de ellos mismos y de sus miedos.

Los siete relatos, los siete cuentos (adoro este género narrativo), que componen este libro (Premio Ojo Crítico de Narrativa 2008), escritos con una sobriedad deslumbrante, con pulso firme y con una voz propia de calidad sorprendente (con ese juego que da un narrador omnipresente pero que, como nosotros, como un espectador distante, no participa de lo contado), comienzan con "Prolegómenos", que nos presenta la curiosa relación de una pareja en un Londres cosmopolitaque adquiere un misterioso juguete sexual, y que nos convierte en involuntarios, pero encantados, vouyeurs, como sucede también con "El ladrón de lencería", tal vez el único que desentona del resto, no por calidad, sino por lo humorístico del mismo.
Tanto en "Después de nosotros el diluvio" como en "Rata", se plasma la violencia palpitante, latente, que habita en el lado oscuro que todos llevamos dentro y que nos jactamos de no poseer. Relatos, estos, repletos de personas resentidas con los que les rodean y con el mundo en el que viven.
"El hambre en los alrededores del lago" es un ejemplo más de lo preciso que es Bilbao a la hora de adentrarse en la mente de sus personajes, trayéndonos, en este caso, las vivencias de un escritor bloqueado que decide ayunar para purificar su mente, y cómo un joven torturado que cuida palomas irrumpe en su voluntario retiro. En este cuento, como en "La fortaleza", los protagonistas ven cómo la realidad se transforma ante sus ojos en un lugar más peligroso de lo que imaginaban que fuese y que no dudarán en acometer en voluntario descenso a los infiernos del alma, para renacer de sus cenizas.
A modo de conclusión, nos encontramos con el relato que da título al libro, "Como una historia de terror", cuento en el que una pareja que decide abandonar la ciudad para pasar a vivir en la casa de un solitario bosque, ve cómo ella comienza a padecer recurrentes pesadillas en las que ardillas devoran a su marido. Miedos y ensoñaciones tétricas que parecen empezar a convertirse en realidad...

La fuerza con que Bilbao describe a sus personajes, el modo en el que nos presenta sus emociones y sus personalidades, su vida al borde del abismo afectivo, es tan asombroso, que ya sólo por eso este libro merecería ser leído por todo el mundo.
Y eso, sin tener en cuenta que es una lectura exquisita que deseas que no se acabe nunca. No digo más.

domingo, 23 de enero de 2011

¿Qué película es esta?. El juego de los domingos Segunda Edición (4).

Cuarta entrega de esta segunda edición del juego dominical del blog. En esta ocasión, visto el alto nivel de aciertos y dado que son un público duro de roer, hoy lo complicaré un poquito más, que a este paso van a alcanzar la cifra mágica de 15 puntos antes de que llegue el verano, je, je, je.

De momento, las puntuaciones van así:
agrimensorJ, 6 puntos. 
Poptaje , 4 puntos.
Trónak el Kárbaro, Marguis, Doc Armitage, Diorama, Mr. Lombreeze, Cinexim, Mucipa, David, J.A. Pérez 3 puntos.
Kenny, Licantropunk, Pepe Cahiers, Dr. Quatermass, Mr. Floppy, Cecil B. Demente ,Lughnasad, Charlie, redrum, dopzihon, 2 puntos,
William De Baskerville, Xalons, Anna, Kinezoe, ricard, kinski, Lord Kamps, Baal Zak, carlesp, Christian, Lula Fortune, Ricardo Pérez, Anele, egoitzmoreno.com, dvd, miquel zueras, Santiago Braida, Angelus, GabyLocura, Coltra, Kinezoe, Tarquin Winot , 1 punto.

Y dicho esto, ¿de qué película se trata?.

jueves, 20 de enero de 2011

Kinatay, de Brillante Mendoza. Y tú, ¿qué harías ante su cuerpo descuartizado?.


LA SIGUIENTE RESEÑA NO ESTÁ RECOMENDADA PARA MENORES DE 18 AÑOS...
Avisados quedan. 
Luego no se quejen si la sangre les salpica demasiado. 

Si tuviese qu elegir a un director de cine filipino, sin duda me quedaría con Brillante Mendoza (que le debe mucho, muchísimo a Lino Brocka como abanderado de un nuevo resurgir cinematográfico en la Filipinas de los 70), director de la grotesca y demoledoramente enfermiza "Kinatay" (también conocida por otros lares como "The execution of P"), aunque he de reconocer que otro cineasta y compatriota, Raya Martín, posiblemente le quite este puesto en mis preferencias en no mucho tiempo, ya que me parece un director que apunta muy alto y sin duda será mucho más interesante que el que nos ocupa...
Volvamos a "Kinatay", que se me va la  mente a otros territorios que ahora no tocan transitar.
¿Y tú, qué harías en su lugar?
El cine de Mendoza es un cine espectral, caleidoscópico, que juega a llevar al límite la paciencia y la percepción del espectador. Un híbrido fílmico a medio camino entre el documental (muy presente en el cine filipino) más escabroso y la ficción más reveladora, que deja a la luz de nuestros ojos, una ciudad y una nación inmersa en la miseria y en la soledad social y emocional.
"Kinatay" significa, traducido del filipino, "masacre" y eso es lo que Mendoza hace con nuestros sentimientos, nuestros nervios y nuestra capacidad de aguante con esta película; pero no porque sea mala, todo lo contrario (aunque tal vez no sea tan portentosa ni brillante como lo fue "Serbis"), sino por lo que en ella se muestra y lo que se sugiere (se muestran las torturas del cuerpo, pero se advierten, mucho más dolorosas si cabe, las torturas del alma).
De la felicidad a la pesadilla en el mismo día.
"Kinatay", que casi sucede en tiempo real, es sucia, cruel, oscura, malsana, y hace gala, la historia quiero decir, los protagonistas que la habitan, de una falta de respeto por la vida humana que asusta (máxime si esa falta de respeto es tan evidente y está tan presente en una sociedad real como la nuestra, donde la tolerancia es inexistente y donde el respeto hacia el prójimo es, cada día más, poco menos que una Utopía que se antoja será inalcanzable en unas cuantas décadas).
Mendoza suele basar sus films en hechos reales que o bien conoce de primera mano, o bien las conoce a través de los medios de comunicación o, como en este caso, porque alguien se los cuenta (según palabras del mismo Brillante Mendoza, lo que en "Kinatay" acontece es lo que le narró un conocido que tuvo algo más que contactos con las mafias locales. Tal vez por ello su cine represente tan bien la vida real en Filipinas (magníficamente plasmado en la primera parte del film), un lugar "repleto de contradicciones en el que reina la ironía, donde se codean lo atroz y lo magnífico." (en una entrevista a Cahiers du Cinéma, 656).
La historia, agónica, es simple y fácil de resumir, pero difícil, muy difícil de digerir: asistimos a un ajuste de cuentas del que es víctima una prostituta, Madonna, ahogada por las deudas, por parte de un grupo mafioso (ajuste de cuentas que consiste en el secuestro, asesinato y desmembramiento de la mujer). Y somos testigos de esa forma de tomarse la justicia por uno mismo desde el punto de vista de un acompañante involuntario y fortuíto, Peping, un estudiante de criminología que está a punto de ver cómo su percepción de la vida se va tambalear y cómo su integridad como ser humano va a esfumarse en una sola noche. Peping es un joven normal, que se acaba de casar, tiene un hijo de escasos meses y se está preparando para entrar en el cuerpo de policía de Manila. Pero, además de esto, el ambiente de la corrupta y caótica ciudad, le impulsa a ganarse un sobresueldo en el negocio de cobrar lo que se gana en el tráfico de drogas y entregarlo a sus dueños legítimos, los mafiosos que la ponen en circulación (que la gran mayoría son policías y militares de alto rango). No sabe el terror que está por venir. Y desconoce, más aún, que la tormenta le va a atrapar  sin posibilidad de escape.
Hay dos momentos clave que podían cambiar el curso de la historia de Peping. Uno es casi al principio, cuando uno de los "esbirros" de los mafiosos le invita a acompañarles esa noche. Invitación que acepta dudoso en lugar de marcharse a casa con su mujer e hijo recién nacido. El otro instante de posible salvación viene en el momento en el que, ya consciente de lo que va a ocurrir, trata de fugarse subiéndose a un autobús, para bajar del mismo segundos después y volver junto al grupo del que, ya conscientemente, va a ser un integrante más.
La atmósfera es enrarecida y sofocante, sucia, generando intranquilidad incluso en los momentos de supuesta calma, debido en gran parte a la forma de rodar de Mendoza, que acelera y paraliza el ritmo para que no podamos centrarnos y no nos sintamos cómodos en momento alguno.
La sangre como bautismo de la pérdida de la inocencia.
Cuando uno ve al protagonista y cómo actúa ante lo que va sucediendo a su alrededor, uno no puede sino sentir desasosiego y asustarse por lo que sucede y por su dejadez moral ante ello. Y digo asustarse, porque cualquiera de nosotros (la gran mayoría al menos) no haría nada diferente (no porque no quisiera, sino porque el miedo no le dejaría) a lo que él hace. ¿O acaso ustedes no serían tan pasivos como él y se lanzarían a liberar a la joven mientras fuera de la habitación en la que se encuentra amordazada, los mafiosos hablan de trivialidades sin importancia?. ¿Acaso no se dejarían llevar por los rápidos e increíbles acontecimientos y participarían sin dudarlo en la barbarie que se está cometiendo con tal de salvar su propio pellejo o el de su familia?. ¿Hasta dónde puede llegar el ser humano para garantizar su supervivencia o por temor a que le hagan daño a aquellos a los que quieren?. ¿Se hubiesen marchado ustedes en el autobús que les alejaría de todo, aunque fuese momentáneamente?. ¿No es aterrador saber lo aleatorio y lo caprichoso de la muerte y lo poco que vale la vida de un semejante?, ¿lo sencillo que es acabar con ella?. ¿Recuerdan cómo y cuándo, al igual que le sucede al protagonista del film, aunque no de forma tan drástica, perdieron la inocencia y la integridad?...

Ciudad y hombre se mezclan en una orgiástica sangrienta venganza; se funden para cruzar juntos la frontera de la que nunca se podrá regresar, al menos no como la traspasaron en un primer momento, porque la inocencia, una vez perdida, es imposible de recuperar. Aprovechen su presencia mientras puedan. Luego, se arrepentirán de que ya no esté.

martes, 18 de enero de 2011

Dog Soldiers. Despertando a Estados Unidos de su sueño a base de heroína.

"Por qué no vais a ver morir a otro sitio"
(frase del libro)

Estados Unidos vivía un bonito sueño de familias modélicas en urbanizaciones seguras donde todo el mundo se conocía y en el que había cabida para una gran cantidad de hippies que encarnaban la contracultura de los sesenta. 
Estados Unidos vivía un bonito sueño en el que era el rey del mundo entero.
Estados Unidos vivía un bonito sueño en el que las tropas vietnamitas se rendirían a sus pies y continuarían con su particular visión salvadora del mundo.
Estados Unidos vivía un bonito sueño del que despertaron a la más aterradora de sus pesadillas. La realidad en la que estaban inmersos y de la que no eran conscientes.

Curiosa forma de garantizar la libertad de un pueblo...
Como esa frase lapidaria que encabeza este texto, Robert Stone (Nueva York, 1937) acabó con el imposible sueño de un país cegado por su ego y su distorsinada visión de la realidad.
Una realidad que tuvieron que aceptar por más que no la creyeran posible. Esto lo sintetiza muy bien Rodrigo Fresán cuando dice que se trata de una "novela-accidente-automovilístico", ya que "no queremos ver lo que allí se nos muestra pero tampoco podemos apartar la mirada o cerrar los ojos de ese montón de hierros retorcidos y de ese hombre cubierto de sangre".
El final de los sesenta y el comieno de los setenta, marcaron un punto de inflexión para los U.S.A. y la manera en la que sucederían las cosas a partir de entonces a nivel mundial.
El conflicto de Vietnam (1964-1975) no salió como se esperaba (al menos para las tropas americanas), ni de lejos. Primera gran derrota reconocida que dejó al descubierto muchos de los males que asolaban al pueblo americano y a su doble y castrante moralidad.

Lo cierto es que se hace difícil crear una reseña, un comentario, tras lo expuesto por Rodrigo Fresán en el prólogo de este vertiginoso libro de Robert Sotne (publicado originalmente un año antes de que concluyera el conflicto bélico de Vietnam, en 1974) y editado en nuestro país por Libros del Silencio.
Comienza a sonar la Cabalgata de las Valkirias.
Tal vez bastaría con decir lean lo que Fresán escribe, o bien copiar lo que allí ha redactado y hacérselo llegar a ustedes, pero uno es un poco osado y se atreve a esbozar los pensamientos que le han surgido tras la lectura de esta obra (aunque sean redundancias ya escritas con anterioridad por manos más versátiles e iluminadas que las mías).
Stone, cercano a ese periodismo emergente de la época como el que practicaban Hunter S. Thompson, Tom Wolfe o Norman Mailer, empleó sus conocimientos sobre esa segunda Guerra de Indochina para dar forma y fondo al personaje de esta novela, John Converse, un periodista más bien anónimo que escribe para medios poco relevantes, que tiene en mente dejar atrás Vietnam y llevarse consigo, de vuelta a Estados Unidos, tres kilos de heroína que, una vez colocados en el mercado, le permitirán una vida nada despreciable. Lo que no se imagina, es que por mucho que te alejes de Vietnam, esta nunca se alejará de tu mente ni de tus pesadillas y es que no hay tanta diferencia entre un mundo y otro.
Películas como "Apocalypse now", "El cazador" o "El regreso" vendrán enseguida a la mente del lector de este texto y, por supuesto, del libro, pero no conviene llevarse a engaños. Todo eso es posterior a este grandioso libro (como antes de este, estaba "El corazón de las tinieblas" de Joseph Conrad).

Born to be wild!
Se ha comparado a Stone, que no deja de ser curioso que este libro permaneciese inédito en nuestro país (bueno, tal vez no sea muy extraño si tenemos en cuenta los programas que pueblan la parrilla televisiva o si nos fijamos que analfabetos sin vergüenza alguna -en todos los sentidos posibles- se convierten en ídolos y princesas del pueblo...), con escritores de la talla de Hemingway, Fitzgerald, Salinger o McCarthy, pero no creo que eso sea posible, porque Stone es un escritor de elegantes recursos narrativos, con voz y personalidad propia, capaz de expresarse y desarrollar una historia en diferentes niveles, como el Infierno descrito por Dante (y desde luego me van a permitir que felicite y alabe la labor traductora de Inga Pellisa y Mariano Antolín, que han hecho un trabajo impresionante e insuperable), donde cada vez que se escarba, se encuentra una nueva vía, un nuevo significado a lo leído.
Sin lugar a dudas uno de los 10 mejores libros del año 2010 que acabamos de dejar atrás. Yo de ustedes, no me lo perdería.
Bienvenidos a un aterrador descenso a los infiernos, un viaje alucinado al fondo del alma, que asustaría al mismísimo Jospeh Conrad que no podría sino decir cíclicamente, "el horor, el horror".

 

domingo, 16 de enero de 2011

¿Qué película es esta?. El juego de los domingos Segunda Edición (3).

Tercera entrega de esta segunda edición de este juego dominical.
Después de otro primer fotograma ciertamente fácil, hoy toca complicarlo un poquito.
Las puntuaciones van así:
Poptaje, agrimensorJ, 4 puntos. 
Trónak el Kárbaro, Marguis, 3 puntos.
Diorama, David, Kenny, Licantropunk, Mucipa, Dr. Quatermass, Mr. Floppy, Cinexim, Cecil B. Demente ,Lughnasad, Doc Armitage, Charlie, Mr. Lombreeze, 2 puntos,
William De Baskerville, Xalons, Anna, Kinezoe, Pepe Cahiers, ricard, Lord Kamps, carlesp, Christian, Lula Fortune, Ricardo Pérez, Anele, dopzihon, egoitzmoreno.com, dvd, Angelus, GabyLocura, Coltra, redrum, Tarquin Winot , 1 punto.

Y dicho esto, ¿de qué película se trata?.
 
ALGUNOS DE LOS GANADORES YA ME HAN DADO EL ACUSE DE RECIBO DE SUS PREMIOS. AL RESTO, ¿NO OS HA LLEGADO AÚN?. 

viernes, 14 de enero de 2011

Entrevista a Angel Guache. Escupiendo silencio a gritos en la boca de cualquier dios.


umbrío, a. (de umbra).
1. adj. Dicho de un lugar: Donde da poco el sol.
2. f. Parte de terreno en que casi siempre hace sombra, por estar expuesta al norte.
¡Erigid un púlpito para este nuevo Mesías de la oscuridad!.
¡Limpiad bien vuestros oídos para que sus palabras gritadas entren bien en vuestras cabezas y se queden allí grabadas de por vida!.
¡Dejad paso a Angel Guache!.

Que no os engañe su supuesta apariencia inofensiva y bonachona, porque este bizarro poeta, este brillante trovador, este prolífico artista histriónico, ecléctico, tiene más fuerza y poder en su voz que miles de armas nucleares juntas. Algunas veces humorístico, otras simbolista, de vez en cuando surrealista y ahora obscuro, umbrío, siempre sorprende y siempre te atrapa en sus invisibles redes desprejuiciadas.

"Umbro, baladas eléctricas y poemas gritados", editado por Huerga y Fierro, es un libro escrito desde el más allá, unas dolorosamente hermosas páginas que surgen desde el fondo de la existencia de un ser humano que se ha visto sumido en la oscuridad insalvable, es un experimento lingüístico sin igual, inquietante y visionario.

Leed bien estos versos y descubriréis la verdad de vuestras vidas.
Leed bien estos versos y temblad ante la voz de Angel Guache.


-TBYNPG: Cuando, mientras leo uno de tus libros, pienso en Angel Guache, te imagino subido en un teatro, moviendo a las masas en un paroxismo propio de un predicador oscuro y acelerado, pasado por el filtro del Teatro del Pánico de Jodorowsky. Pero, ¿quién es Angel Guache realmente?. ¿Ángel Guache nace o se hace?.

Dibujo de Roland Topor
ANGEL GUACHE: Del Grupo Pánico el autor que más me interesó en un determinado momento fue Roland Topor. Además, tuvo la delicadeza de palmarla a tiempo y de no hacer el bufón televisivo como sus compañeros Arrabal y Jodorowky. Los relatos de Topor son estupendos (creo que tienen algún punto en común con los de mi libro "Sopa nocturna") y sus dibujos me entusiasman.

TBYNPG: ¿Qué quieres transmitirnos con tus numerosos trabajos, tan alejados, por fortuna, de ese mal endémico llamado corrección política y ajeno a toda moda o etiqueta?.

ANGEL GUACHE: La corrección política, efectivamente, es un mal que parece que va a más cada día. A mí no me va ese estilo tipo catequista o inquisidor. Y no me afecta porque procuro no autocensurarme. Quiero expresarme con total libertad. Me apetece desarrollar y sacar a la luz todos mis estados de ánimo y todos mis yoes, por eso fui pasando por tantas tendencias, desde el clasicismo al expresionismo más obscuro y furioso, pasando por el humor disparatado y el realismo surrealista, término –este último- que acuñé (precisamente uno de mis libros se titula "Su realismo"  y en él se puede encontrar exactamente lo que anuncia el título).

TBYNPG: Dijo Ezra Pound: "mis poemas, por su cuenta, carecen de cualquier interés. A los 70 años me he dado cuenta de que mi vida no ha sido una quimera, sino una imbecilidad". ¿Qué ve Angel Guache de sí mismo si echa la vista atrás?. ¿Qué quedará de él el día que ya no esté?.
Angel Guache y la pintura.

ANGEL GUACHE: Mi vida, como la de Pound y como la de casi todo el mundo, también ha sido y es una imbecilidad. Si echo la vista atrás veo un poco de todo, mucha juerga y mucho sinsentido.
Supongo que de mi obra no quedará nada. Tal vez algún estudioso (tipo Bonet y sus rescates de vanguardistas), como mucho, y con suerte, recuerde algún poema suelto. Nada más. 

-TBYNPG: ¿Cómo te introduces en el mundo de la pintura?. ¿Qué te aportó?.

ANGEL GUACHE: Empecé a pintar y escribir de niño (era fatal jugando al fútbol y otros deportes) y antes de los veinte años había ganado más de treinta premios en concursos juveniles de dibujo, pintura, poesía, y relatos (no me presentaba yo por mi propia iniciativa, me presentaban los profesores). Nunca más me volví a presentar a concursos. En casa había cientos de libros de arte y se puede decir que estuve muy bien informado –o, por lo menos, enterado- desde siempre. También empecé muy temprano en clases de pintura. Tuve profesor particular, recibí clases en estudios de pintores, etc., antes de entrar en la Escuela de Bellas Artes (en aquella época, por suerte, no era Facultad). La pintura me aportó una mirada especial del mundo.



-TBYNPG: Fuiste un pintor reconocido, ¿por qué decides salir de la pintura y dedicarte a otros artes como el de la escritura (camino que ya transitabas entonces)?.

ANGEL GUACHE:  Como decía, empecé a pintar y a escribir a la vez. Pero llegó un momento, hace algunos años, que perdí la “afición” por la pintura. Sencillamente eso. No puedes seguir pintando si te falta la pasión. Así de sencillo.

-TBYNPG: ¿Qué opinión te merece el mundo del arte contemporáneo?.

ANGEL GUACHE: Ahora mismo me interesan muy pocas cosas. Me parece que hay mucho cuento, mucha tontería, mucha charlatanería. Durante muchos años iba a todas las inauguraciones y estaba al día. En los últimos años casi no sigo lo que se hace. Ni siquiera voy a exposiciones. 
Aquí hay, ¿arte?.

-TBYNPG: Sumergirse en tus libros es como hacer un viaje alucinado, tormentoso, jacarandoso, oscuro al fondo del alma, pero nunca físicos. ¿Es cierto que no te gusta viajar?. ¿No quieres ser un turista de la globalización?.

ANGEL GUACHE: Viajo lo menos que puedo. Procuro no salir de mis dos calles. El turismo me horripila. Pensar en una estación de autobuses o de trenes o en un aeropuerto me pone los pelos de punta. ¡Eso sí que es un horror!

-TBYNPG: ¿Qué opinas de la tecnicidad imperante en nuestra sociedad?. ¿Somos tan dependientes de las tecnologías que si esta se acabara, acabaría nuestra propia existencia, o seríamos capaces de adaptarnos?.

ANGEL GUACHE: Procuro depender lo menos posible de la tecnología. Me gustaría vivir en el campo, alejado del mundo. Las temporadas que pasé en el campo las recuerdo como las más felices. Hablo de algo de eso en algunos libros, por ejemplo en "Me muerden los relojes" y en el último libro publicado: "La mirada del geómetra"
Cuando era profesor me impresionaba la dependencia que tenían mis alumnos de todas las nuevas tecnologías. Sin embargo creo en la capacidad del ser humano de adaptarse a todas las situaciones.

 -TBYNPG: ¿Hacia dónde se encamina el ser humano?.
Guache y su visión de la vida.

ANGEL GUACHE: Me temo que hacia la barbarie. Es el resultado de depender del mercado y de los mercaderes. 

-TBYNPG: ¿Y las religiones?. ¿Qué pretenden?. Sigues alguna doctrina o creencia en particular o eres, como yo, de los que piensan que todo eso es pura charlatanería. ¿Callarías, como dices en tu poema XIV, a cualquier dios, a cualquier pregonero de la salvación eterna, escupiendo silencio en su boca?.

ANGEL GUACHE: Crecí en una época en que la religión formaba parte de la vida de uno. Y era parte de nuestra mitología. (Mucho más que la griega y la latina, tan librescas.) El tema de Dios, como mito, me parece muy poético. Yo lo utilizo mucho, soy muy obsesivo, me da mucho juego. Está en mi inconsciente. (Cuando juzgaron a Philip Spector declaró: “No creo en nada pero sé que existe el diablo”. Me pareció curioso, y tiene razón. Sobre todo después de lo que le pasó.) Por otra parte, soy muy anticlerical. (No conozco ningún cura bueno.)

 -TBYNPG: ¿Qué opinas de los premios literarios que muchos enseñan con orgullo fanfarrón y emplean como medio de vender su trabajo, acomodado y carente de sustancia?. 

"No conozco ningún cura bueno."
ANGEL GUACHE: Siempre digo que mi literatura es antipremio y que si me dieran un premio me preguntaría en que fallé. La literatura de los premios es repolluda. El mundo literario está lleno de figurones, de pedantes y de listillos que quieren ser los primeros de la clase.

-TBYNPG: La gran parte de los escritores se planifican un horario de escritura, como si fuesen a la oficina, pero no te imagino a tí así. ¿Me equivoco?. Es que siempre he pensado que, por mucho talento que se tenga, escribir requiere de inspiración y aunque uno se siente frente a un lienzo o un folio en blanco, si esta no viene, no hay nada que hacer, ¿no?. 

ANGEL GUACHE: Yo también creo en la inspiración. No tengo horarios, no me siento a escribir. Escribo cuando me viene, los poemas surgen solos. Se nota el esfuerzo de los que tienen horarios de oficina. Hay algo forzado en lo que hacen.

-TBYNPG: Y a raíz de esto, surge otra cuestión, ¿por qué algunos están tan empeñados en llevar la corrección política incluso a la forma de escribir, buscando una forzada "excelencia", tratando de sonar bien aunque no se diga nada, tratando de medir los versos al milímetro... Creo que escribir debería ser algo primario, instintivo, visceral, algo surgido de dentro de uno, sea bonito o no, pero uno debe ser, como en tu caso sucede, honesto consigo mismo. ¿Cuál es tu opinión?. 

ANGEL GUACHE: Estamos de acuerdo. Ahora mismo (soy muy cambiante) creo en lo instintivo, en la fuerza de las pulsiones.

- TBYNPG: Imagino que no seguirás los cánones ni las doctrinas impuestas y que lo dejarás todo al azar y al caos de tus sentimientos.¿Cómo es tu proceso creativo?. 

ANGEL GUACHE: Como te decía, escribo cuando me viene o cuando creo que tengo algo que decir. Los poemas salen cuando estoy dando un paseo, o cuando estoy en la cama,… en cualquier momento y en las situaciones más diversas.

-TBYNPG: ¿Has escrito alguna vez algún libro por encargo a pesar de no estar de acuerdo en ello?. Imagino que no, pero... 

ANGEL GUACHE: Escribí dos libros por encargo. A César Fernández Arias, con quien he colaborado en varios libros, le encargaron uno de dibujos de fútbol. Después de hacer varios bocetos se le agotaron las ideas y me llamó para tener un texto donde apoyarse. Se me ocurrieron unas aleluyas de ciego y así surgió el libro Fútbol. Tengo que confesar que no me gusta ningún deporte. Soy totalmente antideportista. El otro encargo fue un libro para niños. Está inédito porque al editor le pareció que era demasiado travieso y con demasiada guasa como para dirigirlo a un público infantil.

TBYNPG: ¡Uy!, lo que daríamos los que te seguimos por ver publicado ese libro supuestamente infantil...


 

-TBYNPG: Tus textos, tus libros, son tu esencia, son parte de tí. ¿Reflejan tu ánimo y tus sensaciones de ese momento?. ¿Es por eso que, a diferencias de otros escritores que emplean el mismo estilo durante toda su vida, tú vas cambiando de registro en casi cada libro?. 

ANGEL GUACHE: Con el tiempo voy cambiando, se me van transformando las ideas y los estados de ánimo y todo eso quiero expresarlo. Publiqué muchos cuadernillos de tono vanguardista que regalaba en las exposiciones. En 1972 ó 73 realicé una performance en la Galería La Mandrágora, de Málaga, con música electroacústica escenificando dos extensos poemas: "Ojos en microzonas y Cosmopolita umbilical". Apariciones fue mi primer libro en una editorial, era el año 1979, y también se hizo una performance con actores para presentarlo. Tocábamos los platillos entre poema y poema. Yo mismo lo había ilustrado. Ahí ya está el germen de todos los caminos que seguí luego. Había humor, simbolismo, surrealismo, expresionismo,… Luego, en los ochenta, pertenecí a lo que algunos llamaron Escuela de Trieste (por el nombre de la editorial donde publicamos), de tendencia postsimbolista, y en 1987 decidí dedicarme al humor puro y duro (aunque de vez en cuando recuperaba el “estilo Trieste” o experimentaba otros estilos). Así, y casi sin darme cuenta, escribí "Canciones para interpretar con maracas", ilustrado por el pintor César Fernández Arias –ahora ilustrador de El País-, libro que nos costó varios años ver publicado, porque los editores se asustaban ante nuestro cachondeo. Bastantes años después se fue aceptando este tipo de poemas humorísticos con rimas descaradamente ripiosas y con dibujitos sarcásticos. A partir de esa publicación se fueron sucediendo los libros con la periodicidad de uno o dos al año y cada uno de distinto tono. Me apetecía, como decía antes, sacar todos mis yoes de paseo. Los que utilizan siempre el mismo tono –lo digo en un aforismo-, como los que no se cambian de camisa, acaban oliendo mal. Yo me aburriría si tengo que hacer siempre lo mismo.
Crucificado por huestes asesinas de mediocres poetas excelsocreídos
 
-TBYNPG: Cuando uno expone a la vista de todos, es como si desnudara su alma, su ser, ¿dónde nace Umbro y dónde termina en la vida de Angel Guache?. 

ANGEL GUACHE: "Umbro" está escrito en una época de locura total. Es un libro expresionista, lleno de sensaciones y de vida. Los poemas, como dice la contracubierta, son tragirónicos y tragilocos, entienden el mundo como manicomio y quieren ahondar en lo marginal y visionario. Este libro tiene una continuación en otro inédito que se titula "Lo obscuro", con un tono salvaje, furioso. Ambos están pensados para ser gritados.

-TBYNPG: ¿Qué aporta Umbro al lector?. Creo que es un libro que encaja a la perfección en los tiempos oscuros que vivimos. 

Angel Guache y Dani Loma. El reverso oscuro de Suicide.
ANGEL GUACHE: Creo que aporta vida en estado salvaje, le da mucha importancia al inconsciente, profundiza en las pulsiones, aunque está elaborado ahondando en experimentos lingüísticos. Buscaba que los poemas fueran como trallazos eléctricos. Y, en efecto, es tan obscuro como los tiempos que nos toca vivir. 

-TBYNPG: Por esa mezcla de performance, de música, de escenificación que rodea a tus palabras, uno diría que los poemas de Ángel Guache están hechos para ser representados. ¿Es así?. ¿Cuál sería su representación soñada y dónde?. 

ANGEL GUACHE: Sí, están hechos para ser representados con histrionismo, gritando con furia. Los interpretaron diversos actores. Yo mismo los grité en teatros, fundaciones, festivales poéticos, antros,… He actuado con el grupo de Héctor Tuya y con Rober Wiydn en garitos. El acompañamiento que llevo actualmente es de música electrónica. Formo dúo con un músico de Ibiza: Dani Loma (somos una especie de Suicide). Los lugares ideales serían teatros con cierto aire experimental como El Matadero o La Abadía

-TBYNPG: La música, la pintura son fundamentales en sus trabajos. ¿Qué músicos y artistas nos recomiendas?. ANGEL GUACHE: Suelo escuchar músicos con cierto toque vanguardista y ruidista o que sean obscuros. Me gusta el Stockhausen más eléctrico, Fausto Romitelli ("An index of metals"), Lutoslawski, Ligeti, Tippett, Morton Feldman,… Entre los artistas, me gustan también los obscuros, como los que sacas en tu blog, aunque el montaje de una exposición que más me gustó fue la de Ryman en el Reina Sofía.

-TBYNPG: Vaya, gracias por la parte que me toca, je, je, je. ¿Qué libro rescatarías de un incendio?.  
Robert Ryman.
ANGEL GUACHE: Por ejemplo "Garpard de la Nuit", de Aloysius Bertrand.

-TBYNPG: Pues no lo conozco, así que apuntado queda. Volviendo a tus libros, en tus poemas, en tus baladas eléctricas, la palabra es gritada. ¿Por qué es necesario alzar la voz para hacerse escuchar?. ¿Qué haces cuándo te enfadas, hablas bajito para enojar más aún a la otra parte?.

 ANGEL GUACHE: Son poemas gritados porque me gustaría pensar que están hechos con fuerza, incluso con furia. Quería ser una especie de Janis Joplin del poema (no se me ocurre ninguna figura masculina con tanta fuerza). O ser tan bronco como Tom Waits o Captain Beefheart. Sin embargo, en el dúo que formo con Dani Loma nuestro concepto más próximo, y la referencia más importante, quizá sea "Suicide".

No me suelo enfadar. Tengo sentido del humor. En la vida normal no grito, eso lo dejo para los escenarios.

-TBYNPG: ¿Qué consejo darías a quienes pretenden ganarse la vida escribiendo?. ¿Es posible vivir de ello haciendo lo que a uno le gusta sin ataduras ni imposiciones de otros?. 

 ANGEL GUACHE: No puedo dar consejos en ese sentido porque yo nunca saqué ni un euro de la literatura. Supongo que es posible vivir de ello pero yo desconozco la fórmula.

-TBYNPG: ¿En qué proyectos estás trabajando ahora?.  
Peligro. Escritor suelto.

ANGEL GUACHE: Dentro de unos meses, un poco antes de la Feria del Libro, saldrá un libro de canciones humorísticas titulado "Tangas y tangos… y otros mangos". Tengo inéditos varios libros, "Lo obscuro", del que ya hablé; un libro infantil, "Abecedario ilustrado para monstruitos", con dibujos de Marta Serna, y rechazado por varias editoriales porque lo encuentran con demasiada guasa para niños, y una obrita de teatro, "Los hormigos". También estamos preparando un disco de Poemas gritados (con música electrónica de Dani Loma) que queremos llevar a los escenarios. Tengo un proyecto con la cantante Vanexxa, con la que me llevo de maravilla, de mis trabajos más humorísticos para interpretar por teatros. Desde hace tres años está hecho un disco con veinte cantantes que interpretan mis letras, pero que no acaba de salir, dicen que no es el momento, la crisis…

  -TBYNPG: Sí, a este paso, la inagotable crisis nos va a matar a todos... 
Para terminar, dime, si, como indica el nombre de este blog, Angel Guache tuviese boca pero no pudiese gritar, ¿qué pasaría?. ¿Qué haría?.  

ANGEL GUACHE: ¡Explotaría!

 

miércoles, 12 de enero de 2011

"BALADA TRISTE DE TROMPETA". SUBLIME ASCOPENA ANTAGÓNICA.


"¿Por qué quieres ser payaso?.
Porque si no fuese payaso, sería un asesino". 

Si tuviese que elegir una única palabra para definir el último trabajo de Alex de la Iglesia sería la de "apabullante".
Apabullante e impactante vorágine vertiginosa que te zarandea y te descompone, te golpea y te noquea, Y que se mueve en territorios que van de lo asombroso a lo espectacular.
Así es "Balada triste de trompeta".

Este explosivo ejercicio cinematográfico, de autor consagrado, al alcance de muy pocos, este ejemplo de poderosa antinostalgia grandguiñolesca y visual, que destila refinado gusto por la cultura pop (siempre presente en el cine de Alex de la Iglesia), por las referencias a cientos de cosas con las que crecimos, por el comic más visceral, viene a ser lo mismo que subirse a la, alocada y carente de frenos, montaña rusa de nuestra historia, de nuestra infancia como personas individuales y como nación. Subirse a lo más alto de la misma para que, luego, una vez acabado el viaje, quedemos maravillados ante un inconmensurable espectáculo circense en el que, irremediablemente, acabaremos enamorados de la trapecista, diosa inalcanzable que sobrevuela nuestras vidas terrenales y tristes.
Muy tristes.
Posmoderna relectura de la tradición cinematográfica y estandarte y glorificación del espíritu "ascopena", te atrapa (en gran medida gracias a la portentosa música de Roque Baños) desde esos brutales títulos de crédito que son todo un estallido de imágenes (no debemos olvidar que el cine de de la Iglesia siempre ha sido un torrente de imaginería visual sin igual, independiéntemente de que fuese mejor o peor la calidad de lo expuesto), y que son la representación liberada de los recuerdos de una generación, de un niño que no entiende bien lo que acontece en el mundo, el sinsentido, que le rodea, encontrando tan sólo un remanso de paz, un eje central al que asir su crecimiento emocional, en el espectáculo televisivo de "Los Payasos".
Catarsis interna, película exorcizadora (con la que Alex de la Iglesia regresa a sus orígenes, pero sin olvidar toda su trayectoria) de un dolor latente en nuestra memoria y en la del mismo director. Ya en los mencionados créditos queda perfecta, y trístemente, reflejado nuestra Historia más reciente y gris, donde los seres humanos, como ocurre en gran parte del metraje, se comportan más como animales, como bestias, que como lo que deberían ser. Tal vez, ese oscurantismo que albergaban en sus vidas, tristes, aburridas, controladas, repletas de pobreza, hiciese que uno no pudiese ser de otra manera.
Es innegable que hay (ha habido y me temo habrá siempre) dos Españas (algunas veces, esa dualidad está presente en una misma persona), infectadas de violencia sin sentido y grotescas acusaciones de odio y amargura sempiterno.
Dos partes de un mismo todo condenadas a no entenderse.
.

Los de derechas contra los de izquierdas, los del Madrid contra los del Barcelona, los que prefieren carne frente a los que eligen el pescado, ética versus religión, playa frente a montaña, hombre contra mujer, cine contra deuvedé, papel frente a e-book...
...Al igual que (casi) todo en la vida, el cine de Alex de la Iglesia ha pivotado siempre, ha tenido como eje gravitacional propio, la contraposición y la lucha (mortal en la mayoría de las ocasiones) de dos seres antagónicos (no siempre necesariamente siempre simbolizan el bien contra el mal) y si no, repasen su filmografía para comprobarlo: mutantes y marginados enfrentados a ricos y pijos ("Acción Mutante"), curas y heavys enfrentándose al mismísimo Satanás ("El día de la Bestia"), asesinos enfrentándose a su destino ("Perdita Durango"), cómicos inseparables que pasan de la cordialidad al odio sanguinolento ("Muertos de risa"), enfrentamientos para conseguir una "herencia" ("La comunidad"), secretos mortales con los que chantajear al otro ("Crimen Ferpecto"), mentes privilegiadas en busca de un asesino en serie venido del pasado ("Los crímenes de Oxford")...
Esta vez la pelea entre los dos protagonistas (un Carlos Areces que se presenta ante nosotros como un actor en potencia, siempre y cuando pula esos ticks chanantes que le acompañan en algún momento, y un Antonio de la Torre inconmensurable), el choque de antagonismos, viene propiciada por el amor hacia una misma mujer (Carolina Bang en uno de los mejores personajes femeninos que nos haya ofrecido nunca el director, por más que ese aire masoquista y sumiso que le caracteriza, trístemente presente en un amplio abanico de la población actual, nos sobrepase e incomode en algunos momentos).

Alex de la Iglesia, inmisericorde con sus recuerdos, con los nuestros, ha conseguido, con este compendio de la violencia intrínseca de un pasado que deberíamos mirar con pesar y, por qué no decirlo, con bochorno, su obra maestra (al menos a fecha de hoy), y ha hecho que volviera a sentir ante una película española lo que hacía tiempo que olvidé y que creí no volver a experimentar jamás. Goce y disfrute.
Además, hay que aplaudir que haya logrado salir triunfador en la faceta guionística al no contar con su colaborador habitual, Jorge Guerricaechevarría, artífice de los libretos de sus anteriores trabajos (algo que Iñarritu no puede decir tras su floja, pretenciosa e innecesaria "Biutiful").
Mirando la reacción de Tarantino hacia de la Iglesia en el pasado Festival de Venecia, donde la película recibió el León de Plata a la "Mejor Dirección" y al "Mejor Guión", uno no debería extrañarse, ya que ambos directores, artífices de un universo grotesco muy particular y unas ideas sui géneris apoyadas en el frikismo más o menos desmedido y en la multirreferencialidad cultural, han conseguido con sus últimos trabajos la consagración definitiva, a nivel mundial, como dos directores imprescindibles y referentes en su profesión.
No esperen una comedia al uso, porque no se van a reír en absoluto. Esto es una cruda bofetada de negra ponzoña en todo el rostro.
Y es que "Balada triste de trompeta" es una película, ¡qué digo una película!, ¡un festín visual es lo que es!, que te deja, tras su visionado, un poso oscuro y doloroso gangrenando en la mente de cualquiera que te deforma por dentro como a los protagonistas del film. Un largometraje que, mucho me temo, al igual que hay dos Españas, generará dos grupos totalmente opuestos que no lograrán entenderse. Unos la adorarán hasta el goce místico. Otros la aborrecerán y criticarán "adn nauseam"...
Yo, la adoro.
Y probrecito de tí como no lo hagas tú también, payaso triste...

RESEÑA APARECIDA ORIGINALMENTE EN CINEUÁ, AQUÍ 

lunes, 10 de enero de 2011

Lo mejor (para mí) del 2010 (según mis gustos). Crowley Vs. Lord Kamps. Dos visiones de un mismo año.

Recién acabado el año, vamos a hacer un repaso a nuestras preferencias, a nuestras filias y a nuestras fobias, pero de un modo un tanto particular.

PELÍCULAS PREFERIDAS DEL 2010 (SIN UN ORDEN PREESTABLECIDO)
 Exit through the gift shop
Fantastic Mr. Fox
Ciudad de vida y muerte
Las posibles vidas de Mr. Nobody
La mujer sin piano
Balada triste de trompeta
Aita

MIS LIBROS PREFERIDOS DEL 2010 (SIN UN ORDEN PREESTABLECIDO)
 Dog Solidiers.
Bajo el influjo del cometa.

Umbro.
El trepanador de cerebros
Las teorías salvajes.
Sukkwan Island.
Un general confederado de Big Sur.
Eros.
 Todo arrasado, todo quemado. 
(Este es, sin duda para mí, el mejor libro del 2010. De lo mejor que he leído en mi vida).
 
MIS COMICS PREFERIDOS DEL 2010
El invierno del dibujante.

Hervir un oso. 
Alicia en Sunderland.
Alec.
Wilson.
Asterios Polyp.
X’ed Out.
---------------------------------------------------------------------------- 
Mi gran amigo Lord Kamps, me ha hecho llegar su personal visión cinematrográfica de este año. Aquí están sus impresiones:


LORD KAMPS:  
Llega el fin de otro año y con ello toca echar la vista atrás para ver que nos ha deparado este 2010 cinematográficamente hablando.
Os dejo una selección de lo que (por muchos motivos, para mí ha sido lo mejor:
 La cinta blanca
Canino
Invictus
 En tierra hostil
 Precious
Corazón rebelde
El libro de Eli
Alicia en el país de las maravillas
Anvil
Las posibles vidas de Mr.Nobody
Splice
La red social
Los seductores
The town
Scott Pilgrim
Balada triste de trompeta
 
Y a continuación, he seleccionado las 10 mejores, las que más me han gustado, sin desmerecer en nada a todas las anteriores. Ha sido complicado hacer la selección pues otras merecen estar también, pero bueno... El orden lo ponéis vosotros:

 Sherlock Holmes: De primeras no lo parece, pero una gran adaptación del clásico detective, para gozo de sus seguidores y sorpresa de quienes no le conocían!
The road: Sencillamente brillante. El libro me dejó perplejo en 2007 y la adaptación gana enteros en los momentos donde se desmarca. Apabullante película con una excelente fotografía.
Shutter Island: Hay quienes ven a DiCaprio como un niño mimado. Yo le veo como uno de los mejores actores del momento. Y si a la cabeza está don Martin Scorsese pues la combinación no puede fallar. Thriller psicológico y psicótico de los que, o eres como yo y lo tienes controlado desde el principio, o se te escapa hasta el final para pegarte una fuerte patada en el estómago de las que dejan dulce regusto.
Pájaros de papel: Excelente trabajo de Emilio Aragón, con un cameo inolvidable de su padre. Dura, dramática, con un guión genial y unas actuaciones que hacen que sus personajes perduren en tu memoria por mucho tiempo.
Hermanos: Con la esencia del mejor cine nórdico, un drama difícil, con muchos giros de personalidad, para llegar a explorar lo más hondo del ser humano.
Un ciudadano ejemplar: La patada en la boca más grande del año. Genial Gerald Butler y genial thriller digno de mezclar a Hannibal Lecter con Seven. La gran sorpresa del año.
Kick Ass: Aparenta una cosa. Pero cuando una enana le sega a un malo una pierna con la katana, uno entiende que no era lo que esperaba ver. En ese momento la película gana mucho y no pierde casi nada.
Toy Story 3: ¿La mejor? Estos personajes tan carismáticos vuelven para, manteniendo la esencia, ampliar fronteras, ganar valores y enseñarnos nuevas lecciones, lejos del encasillamiento de otras sagas de animación (véase Shrek). Inolvidable escena en la que los personajes se cogen de las manos ante la imposibilidad de escapar del incinerador de basura.
Origen: La contradicción en el espectador. O la amas o la odias. Nolan es un genio y lo sigue demostrando en esta obra maestra del nuevo siglo. Con un reparto espectacular, hace que hasta los escenarios sean protagonistas. Será difícil superarse, pero imposible igualarle.
Buried: De la nada apareció esta gran película. Bajo presupuesto y sorprendente narración dentro de una caja. El público no entendía como iba a suceder, pero sí, Enterrado deja sin aliento, y son de agradecer los dulces acordes de los créditos finales, después de tan extenuante desenlace.

Quiero terminar con las que han sido las grandes decepciones a mi entender:

Qué fue de los morgan: La decadencia de la comedia romántica.
Todo incluido: Su alineación de estrellas de la risa prometía mucho. Se estrellaron.
Los hombres que miraban fijamente a las cabras: Lo tenía todo para triunfar. Se complicaron demasiado la vida.
Robin Hood: Nadie esperábamos que fuera así... Y no hablo de la historia, sino así de lenta, aburrida, insulsa... "
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